摘要：《风铃吟》是一首极具中国传统美学色彩且考验演奏者技术和音乐表现力的现代筝曲作品。它以唐代大曲和西方变奏曲式的双重结构以及“风”“铃”“吟”三种音响造型展现了禅意的境界。作品独特的定弦方式，不仅保留了传统民族音乐的韵味，还融合了现代音乐的元素，构建出复杂多变的和声层次，增加了作品的戏剧性与动态张力。作品以和声为主导，丰富了古筝的表现力，以C-D-A三音动机贯穿始终，形成了鲜明的主题性与一致性。在演奏方面，从技巧层面上看，《风铃吟》运用了琶音、点指与快速指序三种主要的演奏技巧；在意境的表达方面，则需要灵活运用磨弦、刮奏、泛音等技巧来提高作品整体的艺术效果。

关键词：《风铃吟》;唐大曲；音乐语言；演奏分析

现代筝曲《风铃吟》由青年作曲家赵子翔创作于2017年，创作灵感起源自一则古庙“法海寺”的偈语：“明月千里照古今，空山古刹觅禅音。风铃寂寂檐角挂，百千苍茫有谁听”,偈语通过描绘一个静谧而充满禅意的场景，表达了诗人对时间、空间以及内心世界的深刻思考和感悟。作为赵子翔的首部古筝作品，《风铃吟》充满了对古筝音乐与演奏技法的探索，通过巧妙的音乐语言将“风声”“铃声”“吟声”呈现出来。作为一部写意的现代筝曲，《风铃吟》展现出了独特的教学价值，它将现代与传统融为一体，让学生能在学习的过程中深刻体会到中国文化的美学精神。技法上的创新赋予了古筝音乐新的活力与表达空间。从演奏技巧到情感传达，这首曲子都提供了丰富的教学素材。特别的拨弦手法、音色变化，不仅显示了较高的演奏技巧，而且提升了乐曲整体的艺术表现力。这部作品通过音乐传递深邃的诗意画面，启发教师将音乐与文学、哲学等其他艺术领域相结合，培养学生的多元思维和创造力。

一、双重结构的曲式框架

分析作品的曲式结构是学习和演奏每一首作品的首要环节，这在音乐教学中占据着重要位置，这一过程不仅是对音乐形态和构成的理论认知，更是音乐实践中对作品深层次理解的基础。学生通过对《风铃吟》曲式结构的详尽解析，能够掌握作品的整体框架，洞察作品发展的逻辑和内在联系。这种宏观的把握有助于学生在学习初期建立起清晰的演奏思路，为之后的细节研究和情感表达打下坚实的基础。《风铃吟》具有唐代大曲和西方变奏曲式的双重结构(见表格),充分展现了中西方创作思维的融合。

唐大曲是一种综合器乐、歌唱和舞蹈，含有多段结构的大型歌舞音乐，其结构十分复杂，框架上“有散序、中序、排遍、人破、彻。中序一名拍序，即排遍；彻即人破之末一遍也”[1](P38)按照唐大曲的结构，《风铃吟》第一部分“散序”,为散板自由的节奏形式，奠定写意的作品基调；唐大曲的“中序”"节奏固定，慢板歌唱为主，器乐伴奏，舞或不舞不一定”[2](P120)。《风铃吟》第二部分“中序”具有歌唱性，从慢板开始发展为中板，最后又回到慢板。第三部分则是舞蹈性鲜明的“破”,以快板形式发展，是作品的高潮部分。按照唐大曲的结构“彻”作为“破”的一部分是作品的收尾，在“彻”的部分，作者运用了“中序”的第一个散板作为收尾，回到写意的基调之中。

从西方曲式的角度上看，《风铃吟》是“主题—变奏a—变奏b—变奏a¹—变奏c—变奏d—变奏a”的变奏曲式，变奏曲式是一种重要的音乐结构形式，它基于一个主题(可以是旋律、和声或节奏图案),通过各种音乐手法对这个主题进行改变和发展，产生一系列变奏。变奏曲式展现了作曲家对材料的丰富想象力和处理能力，同时也给予听者对主题不同角度的听觉体验。《风铃吟》将散板作为主体呈示共进行了五次变奏，整个乐曲以“C、D、A”三个音为基础，并在其构建中采取了多种作曲技巧，如和声变化、音序改变及音符的补充扩展等，来丰富和展开音乐内容。

二、《风铃吟》音乐语言特点

探究《风铃吟》的音乐语言特点能够透彻地洞察作曲家的创作意图，从而有助于学生深度理解作品。不同目的的学习对于作品音乐语言的学习侧重点也不相同，作为培养演奏者，除了要了解作品的基础要素，还要注重探索作品的独特气质和情感深度，教学中通过这个方面能够准确地引导学生捕捉乐曲的精髓，为演绎者和听众呈现出最为鲜活和丰富的音乐画面。

(一)独特的定弦方式

定弦在古筝音乐中扮演着核心的角色，它不仅决定了乐器的音域和基本音色，还直接影响乐曲的演奏方式和表达风格。“特殊定弦为古筝创作提供着不断涌动的源泉，直接带给调性多彩的音乐性和耳目一新的特殊音效。”[3](P8)

《风铃吟》采用特殊的定弦方式，体现了其独特的现代音乐风格和深厚的传统根基(见谱例1)。

作品的定弦中包含了六个和声根音，构成了整首作品的和声基础，形成了一个稳定的框架。而四个音作为支柱音，稳固了和声结构，确保了乐曲的整体平衡。四个音在定弦中不仅展示了二度与五度的音程关系，更重要的是在乐曲中多次强调小二度关系，打破了传统五声性调式体系中的大二度音程，带来了新的音程游移特征。这从听觉上增加了乐曲的现代感和创新性。其余的延伸音高在旋律与和声中作为装饰音出现，起到了美化和丰富音乐层次的作用，增添了乐曲的多样性和表现力。

(二)以和声为主导的音乐语言

与传统古筝作品强调单声部旋律与简单伴奏的创作手法不同，现代筝曲《风铃吟》在音乐语言的运用上体现出了独特的和声取向。通过精妙的和声进行主导，《风铃吟》表达出丰富的情感与色彩层次，这不仅提升了古筝的音乐表现力，而且对演奏技巧也有较高的要求。

作品以C-D-A三音动机为主旋律贯穿始终，这种核心动机的重复与变奏，在整首作品中形成了鲜明的主题性与一致性，使得听者能够在复杂的音响结构中捕捉到作品的主旨。在和声处理方面，《风铃吟》也展示了新颖的音乐结构与视听感受。和声的进程并非传统调性逻辑的简单沿袭，而是通过精心设计的音高关系与音程排列，创造出一种独特的音乐空间。

和声进程在纵向上形成了丰富的层次感，横向上也展现出多变的音乐表情与动态变化。作品的和声安排大致分为三种类型：三音组、四音组以及多音组的层次结构。每种结构都以核心的C-D-A三音动机为基础，强调了该动机在整体构思中的核心地位。如在散板的开头，主题通过C-D-A的三音动机呈现，突出了核心动机的重要性，并通过与五度音程框架的结合，衍生出丰富和谐的纵向音响关系。在这些和声结构中，五度音程通常与辅助的大二度或大三度音程相结合，构建出强烈的五声音阶感。这种和声模式不仅增加了作品音乐风格的鲜明性，而且在表现力方面也做出了大胆尝试。低音部分在核心动机基础上进一步发展，构建了复杂多变的和声层次，增加了作品的戏剧性与动态张力。

三、《风铃吟》演奏分析

(一)作品的整体呈现

指导学生完成作品，首先要以线性思维对作品进行梳理。散板部分是整首乐曲的关键，演奏中需要能够准确表现作品的基调。与传统的散板不同，《风铃吟》第6小节之前对一些主干音有明确的秒数标注，相当于是一定约束下的散板。

散板开头部分的演奏开始于三个基本和弦。初始和弦由G低音音符拉开序幕，此音符是通过左手小指在筝最下方的弦上演奏，而其上的与C音则由右手食指和拇指同时发声。第二和弦组合由A、C、D形成，紧接着是第三个和弦，包含、F与A音，其中A音通过右手在G弦上完成。

这三个和弦构成了作品的初步动机，以C、D、A音列为主要线索进行展开。分别在各自的位置编织成一系列的起始音调图案。此后，观察到快速滑动的技巧被用于营造类似风铃或风声效果，这部分用到了特殊的技法—磨弦，也就是根据标注的秒数，用指甲从琴弦的左侧磨到右侧，并非常明显的由弱到强(见谱例2)。

演奏应从筝码的位置迅速滑行至岳山位置，这一连贯的运动如同一阵风拂过，行云流水地完成了整个乐句。首段末尾的两个音标以快速震颤的技巧呈现，其执行由左右手协同进行。

第2小节后面的弱起节拍处重现了前述主旋律动机。第三个和弦部分有一个延音的装饰，使用了滑动的表现方法来展现，虽然原谱中由于符号限制未能明确标注滑音符号，但其实质意图仍通过弧线表示，暗含了该细微弹奏。接着，在记谱符号上，F音采用大拇指拨弦，后紧跟着A音，通过相应的手势一同发出。

散板的特性允许演奏者在不固定的时值内自由表达，而非严格遵守规则的节奏结构。该节后继部分再次复述主题动机，即D、F、、C音，并用类似滑弦的手法产生顺畅连续的音响效果，犹如风铃声般滑落下来。

对于泛音的处理在第4小节显露出来，该节中主题动机C、D、A以泛音的方式出现。演奏者可通过将右手靠近筝码的位置发出泛音，以模拟清脆的风铃声。左手继续演奏基础音符，保持稳定伴奏。此处的泛音段落强调了右手在接近筝码处的特殊运用，营造出一种悬挂在空中的、几乎无形的声音效果。最后两个音F、G也以泛音的形式处理，需要演奏中注意泛音之间听觉上的平衡感。

第7小节节拍改为3/4,依然还是自由的散板，具体为E-B-C的推动，这一序列音以较为缓慢节奏表达，为演奏提供充足的情感铺垫。第8小节，此时的演奏速度设定66,这一部分的琶音不仅为音乐增添了层次感，也呈现出丰富的色彩性。琶音的使用从缓慢递进至快速，形成了强烈的流动感，这种技术展现出音乐的动态变化和技巧要求。在接近三十二分音符的位置，音乐旋律与后续的刮奏环节相连，通过叠加和延续的技法，将音乐引向一个高潮。最后一小节的刮奏形式，则是以左手上行和右手下行交替完成的，呈现出从慢到快的渐进变化，并顺畅过渡至第10小节。

第10小节的技术要点在于左右手的反向指法：右手使用大指和中指开始，而左手则以中指和大指演奏。这种独特的指法安排，增加了作品的演奏难度，再次强调了乐曲中色彩流动性强且具有琶音效果的特点。随后，乐曲逐渐缓慢下来进入第12小节。到第12小节，乐曲已经历了一个由快至慢的渐缓过程，呈现出动态的再降低。这一改变要求演奏者对每个音符进行细微的控制与调整，以实现平缓的过渡。该段落最终以泛音形式的三连音C作结，此处特别指示了延长线(延时线),在演奏中应注意呼吸，深吸一口气，随后继续展开曲目的主题素材。

左手部分按照G-B-D、B-D-G的顺序进行，强化了整体的节奏感。该处理方式不仅巩固了音乐的节奏框架，也为后续的发展预留空间。在接下来的段落中，其自由和松散的特征彰显了散板音乐的本质，通过轻快地反复运用泛音，再加上双手协作完成的和弦音，散板完结。

中板部分的演奏，应高度关注其流畅性和动态变化。该部分的速度设定为56,标志着乐曲进入了一个新的阶段。演奏者需保证旋律的舒展和流畅，动态处理应自然顺畅，尤其在连续音符的推进中，应展现出递进的律动感，直至第22小节。第23小节的旋律处理发生了显著变化，转而采用散板形式进行演奏。这意味着旋律不再严格受制于固定节奏，而是以自由不规则的方式流动。此处运用了摇指技术，并在调性上从F-D进行转移，随后通过滑音效果引入下一节。这种处理增强了旋律的连贯性，同时在D-G处使用类似的技巧，以达到先加速后减慢的渐次递减效果，最终缓缓降至G-D,颤音通过波浪线标示。

演奏中需要注意第23至26小节之间构成的一段短小的散板，以C-D-G-A-F无固定拍子的快速演奏营造出松散且自由的音乐氛围。紧随其后的第27小节，旋律以3/4拍子和力度标记恢复，揭示了与开头部分紧密联系的旋律发展，同时在该段中实现了更为复杂的音乐织体和演奏技巧，使中板部分相较于开头部分展现出更加丰富的色彩和细节。在第34和35小节之间，通过一个短暂的呼吸间隔，过渡到另一段散板。此处旋律不再遵循严格的节拍，同时伴有左手的琶音，营造出结束的氛围。这一小段散板主要起到过渡作用，为全曲增添了丰富的结构层次和情感变化。第36小节，注意十六分音符琶音的技巧表达，曲子通过减缓速度和左手琶音的闭合，平稳过渡至慢板连接部。

第41-45小节是慢板连接部，主题第三次出现。由于主题已反复展示，此段应着重保持旋律线的流畅性。需要注意的是第44-45小节的刮奏部分，演奏者需要表现出高强度和激烈情感，以为快板部分做准备。这一刮奏表现了自由和灵活的特点，通过双手交替刮弦，逐渐从筝的右侧移至左侧，创建出阴暗且形式多变的“风声”效果。

进入快板1,注意在第46和47小节之间有一个呼吸的气口，以停顿来凸显即将到来的快速部分。此时的节奏标示为每分钟132拍，快板1突出技巧性极高的点指运用。在这一技巧中，右手与左手均需各自弹奏两个音符，并进行间歇性交替。此段的主要挑战在于左手的跳动跨度大，如从一个高音直接跳至八度以下的低音，这不仅测试演奏者的音准正确性，也考验其基本技巧。此指法一直持续到第60小节，需要保持技术的连贯性和精准度。第63小节进入一个技术性高峰，演奏者需执行高速的扫摇，尤其是在第五拍的F-G音的转换。此部分不仅速度快，而且要富含情感张力，是乐曲的一个高潮。此后，乐曲保持高速激烈的态势，直至第71小节，进入快板2,节奏稍缓至每分钟92拍，但依然需要精确和流畅的演奏。

快板2的演奏方式转变为快速指序技法，通过强弱对比的变化，不断进行无限循环，表达出一种动态的强弱交替。演奏者应维持这种强弱对比直至乐曲结尾，并适当地进行简短的呼吸，以便无缝接人下一段音乐材料。要注意从第74小节开始，演奏中必须加入左手配合，使得技术要求更加提高。随着乐曲发展至第82小节，左右手采用八度分解的方式进行弹奏，此处不再简单地延续之前的指序技法，而是转变为一种更为复杂的变化指法。在这一段高速刮奏之后，乐曲提升至一个新的高潮点。第82小节开始的摇指技法标志着乐曲进入了一段流畅的叙述，这一段虽然不是散板但却具有散板的特点，也意味着演奏者将一定程度的离开固有的拍号并表现出更自由和不规则的节奏感，这也是连接部分的过渡。

最终，第97小节开始引入《风铃吟》的尾声，这部分在处理方式上与乐曲开篇显示出相似性。尽管结束部分的确切处理方法留有一定的解释空间，但整体结构和处理方式应保持与之前相一致，确保乐曲作为一个完整的艺术实体得到充分的体现。

(二)主要应用的技巧

从技巧层面看，《风铃吟》主要运用了三个技巧。首先是琶音技巧，第8小节散板部分，需要极高的流动性和一定的难度，在实际演奏中，很容易会因为手指触弦不够干净，从而产生杂音，而手指在快速移动时，也会不够灵活，导致演奏不够流畅。这个环节需要逐音逐句地慢速练习，从慢速开始逐步加快，确保每一个音都准确无误。演奏者还应注重左右手的协调配合，通过渐强的音量变化来表现音乐的浮动色彩。这一过程需要耐心和精细的练习，以达到完美的演奏效果。

其次是快板部分中的点指技巧，第47小节出现了点指技巧，演奏中每个音符都应清晰可辨，避免任何含糊或模糊的音符。音符的颗粒性都要有明确的起始和结束，听起来像是颗粒饱满的珍珠。在快速演奏中，特别是在跨越较大把位时，杂音很容易产生。演奏者需要特别注意手指的控制和触弦的准确性。在跨越较大把位时，确保每一个音符的音准，同时保持音色的优美。右手在大指和中指之间切换时，跨度较大，需要高度的准确性和清晰度。这一技巧的难点在于右手的协调和音准的把握，因此，需要反复练习，以达到理想的演奏效果。

再次是快速指序，具体在第71小节处，快速指序技巧要求手指的灵活性和力量的均衡分配。与点指技巧相比，指序的要求有所不同，但同样需要高速演奏。指序的速度要求很高，需要演奏者能够快速而准确地移动手指。而且双手需要均匀发力，确保每一个音符的平衡和准确，避免杂音的出现。快速指序要求手指能够迅速而灵活地移动，每一个手指的力量分配必须均匀，确保每一个音符的音量和音色一致。这不仅需要技术上的练习，还需要演奏者对手指力量的精确控制。

(三)内在意境的表达

《风铃吟》是一首写意优先的现代作品，“一共使用了三种音响造型，分别为‘风’、‘铃’和‘吟'”[4(P¹3)。而这三种音响造型也就是演奏中内在意境呈现的重点。

“风”主要运用磨弦、刮奏的技巧来表达，磨弦方面如第1小节“风”声就先营造出来，以磨弦的技巧，在固定的和弦音高上，用手指的右侧滑过琴弦并弹出。为达到效果，演奏者需要保持手指紧致的同时，借助手臂的动力将弹奏由轻至强。这个技法让人想起月光下，风儿穿越寺庙、山谷，带走树叶的沙沙声，激荡风铃的回响。在第46小节，再次运用指甲磨琴弦的技法但改为快速演奏。这样不仅提速，还减少了音色浓度，使得风的感觉扑面而来，引出快板部分；刮奏方面在第5-6小节中，作曲家添加了典型的现代筝曲技法：使用琴码左侧刮奏描绘风声。此处两次刮奏从中强到极弱，仿佛音响级别反映出风由近及远的变迁。为增加音高变化感，

第二次的刮奏范围可以适当扩大。连接部分的第85、89小节也使用了琴码左侧无音高刮奏技法，这次刮奏被融入旋律中。演奏时，需要注意音色的控制和分解和弦的运用，展示出交织的风声与风铃之歌。

“铃”声灵动清脆，作品中多以泛音、分解和弦和琶音来表达。泛音如第4-5小节，作曲家运用了筝曲独特的单手泛音技巧。此处的泛音演绎出风铃清脆、空灵般的声响，给人以轻盈飘逸之感。演奏中右手小指侧面轻触琴弦中点，同时大拇指轻弹。泛音以三连音进行，要保持均匀轻柔，用由中弱至弱的力度变化表现连贯性，结合标注的时间，C-D-A的主要动机营造出微风拂动时风铃的细腻响声；分解和弦如第23-26小节，慢板部分以不同连音数的分解和弦，音型模仿风铃声由稀疏到密集再到稀疏的过渡，而第26小节运用揉弦技巧在D音上增添声音延长效果。弹奏这部分需要稳定的速度与力度控制，确保风铃声音的自然波动；琶音如第86-96小节连接的部分，左右手琶音技巧用以表达风声和铃声的交错。右手在低音区以极细微的力度展开持续性背景，左手高音区琶音则从极弱到强再回到极弱，创造出风铃声在风中自由舞动的画面。左右手需不对称进行，右手快速统一，左手则是自由变换速度，增强乐段无规律交叉缠绕的感受。

相对于“风”和“铃”,“吟”的意向更难理解，“吟”往往与表现某种抒情或叙事性的情感相关。它既有歌唱的抒情性，但同时又不同于音乐术语中的如歌地(cantabile),“吟”的意向可能体现为对风铃声如诗歌吟唱般的再现。快板1部分通过结合古筝的技巧，如小撮、大撮和点指，在不同音高上快速而均匀地交替演奏，形成点状的旋律线条。这一段描绘了强风中纷乱不止的风铃声，表现了风与铃激烈情感的交织，并推动了整曲的高潮。小撮技巧的使用，尤其是在靠近岳山的位置上的细致操作，需要演奏者在速度和精确度上做出精细的控制，以增强语言的韵律美。短摇的连贯执行则要求技术上的流畅和情感上的连续，就像是吟诵中情感的延展与深化，使得每个音符都如同诗句中的每一个字，承载着深厚的情感和美感。单音的短摇也是对“吟”的意向的呈现，在通过更加纯净和集中的声音来模拟风铃轻柔而持续的回响，象征着自然界的和谐与诗性。这一段具有“吟”的意向，演奏中要如诗人奔放豪迈的一气呵成，演奏中手腕要保持平稳，避免手指在音区跳跃时幅度过大，以确保音符切换流畅。在左右手快速交替演奏时，要保持力度一致，并通过精准、迅速的指甲触弦减少杂音。练习时要注意放松手腕、小臂和肩膀，以避免紧张导致的肌肉疲劳。在快板2中，第71-81小节处右手勾、托、抹、打的连续交替与左手的大跳技术组合提供了一种动态与静态的对比，如同吟诵中情感的波动与内心世界的广阔。这种技术上的跨度和复杂性要求演奏者在保持技术精确性的同时，也要表现出音乐的抒情与叙述性质，将听者带入一种几乎可以视觉化的音乐场景中。这一部分的练习与表达，特别是重音的处理和手臂摆动的流畅性，都在追求一种“吟”的状态，即通过古筝的琴声传达出类似于口头吟唱的自然流畅与情感力量。

结语

《风铃吟》是一首考验演奏者技术和音乐表现力的现代作品，教师应培养学生在音乐性与技巧性之间找到平衡点，既要理解和掌握作品在和声、定弦方式等方面的独特性，也要精进如多指短摇、小撮等技巧的练习与表达。在意境表达的部分，应该更多地给予学生自主探索的空间。《风铃吟》所蕴含的内在意境，需要演奏者通过对作品深刻理解和感受来传递。在这一过程中，教师的角色应转换为引导者与启发者，而非仅仅是技术层面的教授。通过鼓励学生对作品的主题、情绪、色彩等进行个人解读与表达，使其不仅在技巧上达到精确，而且在音乐表现上能够真切呈现出《风铃吟》的艺术境界和诗意情感。总而言之，作为一首现代筝曲，《风铃吟》不仅挑战和提升学生的技术能力，而且能够激发学生对音乐深层次的理解和情感表达的追求。

参考文献：

[1]王国维.唐宋大曲考[M].北京：朝华出版社，2018.

[2]葛晓音，从日本雅乐看唐参军和唐大曲的表演形式[J].北京大学学报(哲社科版),2015年第3期.

[3]李泉蓁.特殊定弦在当代古筝作品中的意义研究[D].天津音乐学院硕士学位论文，2017.

[4]赵婧婷.古筝独奏《风铃吟》的音响造型及其演奏处理[D].武汉音乐学院硕士学位论文，2021.