摘要：本文针对扬琴演奏技术训练中效率偏低、动作不协调、练琴方法盲目等问题，提出动作协调能力训练、时间分配能力优化、理解沟通与纠错能力培养三大高效提升路径。通过技术动作拆解、音乐作品分句拆解、神经—肌肉配合训练、科学时间规划与复盘纠错等方法，帮助演奏者构建精准肌肉记忆、优化双手协调、提升练琴效率。研究旨在为扬琴学习者突破训练瓶颈、实现技术与艺术表达的双向提升提供科学路径与实践参考。
关键词：扬琴 演奏技术 肌肉记忆 双手协调 高效练琴
扬琴演奏技术训练是提升演奏水平、诠释作品的核心根基。从丘鹤俦“竹法十度”、王沂甫“弹、轮、颤、滑、点、拨、揉、勾”八大技法，到项祖华“左右全能、点线有致、曲直兼济、纵横交织”十六字琴诀与“传统—现代—国际”三维教学体系，均围绕击弦、轮音、双手协调等核心技法展开，兼具规范性与系统性。扎实的技术训练是掌握音色控制、节奏把握、音准把控的前提。从基础单竹交替、音阶练习，到进阶弹轮、琶音、压揉弦训练，再到综合多声部演奏、复杂节奏处理，层层递进夯实基本功。科学的技术训练不仅能让演奏者精准掌握各类技法要领，更能实现技术与音乐表达的融合。因此，唯有通过针对性、持续性的技术训练，聚焦核心痛点、用科学方法替代盲目训练，才能突破演奏瓶颈，让扬琴的音色特质与艺术表现力得到充分展现。
一、动作协调能力：从“机械配合”到“肌肉记忆”
协调能力的核心，是让大脑发出的神经信号能“无延迟、无偏差”地传递至目标肌肉群。复杂的演奏动作实际上是多组肌肉组织动作的有序配合，在没有科学的技术功底支撑却追求整体流畅度的演奏，只会导致神经与肌肉的“配合紊乱”，因此必须通过“动作拆解+乐谱拆解”，让两者形成条件反射式的联动。
（一）技术动作拆解：从“局部定位”到“整体感知”
在分析拆解训练方式之前，对于演奏者来说有必要了解上肢运动的原理。人体左肢受右半脑支配，右肢受左半脑支配，右手要比左手协调、灵活。但对于扬琴技巧的训练而言，则需要双手能力同等发达且相互配合。如扬琴演奏转弯音位移动时，右半脑会预判左手从甲音位到乙音位的移动轨迹，并与左半脑协同确定是否需要调整肩轴角度，避免音位弹奏失误。
在扬琴这件乐器上演奏最核心的动作有两个，那就是击弦动作和音位移动动作。击弦集中在腕部和前臂肌群。音位移动控制在肩部和肘部周围肌群。这两个动作有效配合才能达到既准确又迅速。具体而言，技术动作拆解训练原则是：
首先，在一个固定音位上练习指、腕、臂结合抬腕击弦动作训练。左手击弦发出的音色往往不如右手来得通透、强弱变化不如右手反应快。因此左手腕的训练要明显多于右手。这一步的核心是让大脑清晰识别每个肌肉单元的功能，避免左手“模糊发力”，做到双手击弦力度统一、音色一致。拆解训练时需在做击弦动作同时，用另一只手抚触小臂或面向前方镜面观察肩膀自然落下、颈部放松抬起再进行单个拆解动作演奏训练，确保这些非目标肌肉处于放松状态，让神经信号集中传递至核心肌肉群，避免“力量分散”导致的动作变形。
其次，练习在不同音位之间移动击弦训练。训练的重点在肩、肘部位上下移动和斜向转弯移动准确性。其中分为：
1.纵行排练音位上下变化移动训练。在两度音、三度音、四度音音位组合上来回移动训练。
2.斜向转弯音位移动训练。由扬琴特有的形制而产生的动作训练要求，它相比较钢琴左右移动双臂的演奏方式复杂在出现上下斜向方位的移动动作。
3.较远音程宽度、大跳音位训练。此过程技术训练尤其着力开拓肩部肌群在琴面上的移动准确性。大多数学生基本功训练经常会忽视的也是开发肩部肌群的能力。
技术训练最忌讳盲目消耗体力而不带头脑的“傻练”，巧妙智慧的辅助方法还有：
1.辅助胶贴：在核心肌肉群（如腕关节、肘关节、肩关节处）顺手臂方向粘贴上胶贴，通过触觉刺激强化感知肌肉群动作的积极程度和幅度，帮助神经更快定位目标肌肉。由于学生在上课时经常被提醒关节周群肌肉不够主动敏捷，因此课下练习用此方法进行自觉提醒。
2.化简训练：若训练动作存在神经紧张导致的肌肉僵硬（如肩膀提耸），可先通过“化简演奏动作”降低神经对多个动作的操控，避免错误肌群动作反复再现，再逐步增加难度。所谓化简就是两个核心动作（击弦与移位）做减法训练，降至保留对其中一个动作的训练，找准肌群发力位置点后再加入另一肌群的参与。
3.节拍器辅助：节拍器能有效锻炼双臂控制手腕下落、手臂运动的频率和速度控制力、耐力。练琴过程中，节拍器从100速度练起，逐渐提速以10个、10个叠加提升到140后，再以5个、5个叠加到155后，可改成3个、3个叠加到165后，再改为2个、2个叠加。由于越到速度快起来再想提速，就会对肌肉训练带来难度。速度快起来时往往有微小的速度变化，肌肉群耐受力可以承受并逐渐适应。速度提升太快，肌肉群吃不消反而会发出怠惰信号。
4.可视化辅助：也就是肌肉群动作轨迹训练可视化。例如对着镜子练习拆解后的单个动作，观察双手持竹击弦时是否呈外八字型或内八字型。大脑同步记忆“运竹轨迹”的视觉信号，再结合肌肉的触觉反馈形成“视觉+触觉”的双重神经记忆。
总之办法多种多样，但练习技巧顺利过程中是否能遇到问题，暂停脚步，思考和寻找适合自己的解决办法，才能使接下来的训练不走弯路、快速提高。利用慢练、利用拆解练习、利用录音、录像复盘等方法，本质上就是通过强化反馈信息的捕捉，帮助左右半脑更精准地修正协同偏差。
（二）音乐作品拆解：从“单一音乐动机”到“完整作品乐思”
无限次的“完整演奏”训练思维是最无效的拉洋片式训练，抓不住核心问题训练则只能是事倍功半。将长乐句按音乐动机结构拆解至最小化，明确划分“最小音乐单位的动作组合”，再对小组合之间进行联动练习，把握住需要突破的技术薄弱点以及更加合理的动作联动。这也是提高练琴训练效率的捷径之二。
方法一：动态联动训练
再例如将长乐句、复杂乐句按“音组”拆分（如一组音乐动机），用节拍器设定较慢速度（60BPM），专注动作的发力衔接，确保每个动作轨迹清晰、无多余发力。长乐句的拆分练习有利于把连续动作分成若干可行性组合动作串联，在节拍器的控制下让肌肉群记忆最佳的运动方式。
接下来将2～3个拆解动作组合起来练习，体会在组合过渡时的动作协调连贯，每完成一个组合动作稍作停顿，让神经系统反馈接下来的衔接动作需要发出什么样的动作指令，确保衔接组合之间的动作规范、舒展，为肌群接下来的动作做得充分、准确做准备，再逐步取消停顿，提升动作衔接的流畅度。这一步的关键是“慢中求准”，避免因提速导致神经与肌肉的配合脱节。
方法二：静态联动训练
在无实物乐器的状态下，训练演奏呼吸，也就是重要的音乐乐句呼吸，哪句要充分大呼吸，哪些乐句间采用短促偷换气，哪些乐句需要拉长呼吸一贯到底。往往在琴上实操训练时落竹盲目，操之过急的情况下会忽略气口、呼吸的介入，因此会使演奏效果大打折扣。
音符在谱面上是静止的，通过演奏发出音响，乐谱则呈现声音化的动态形式。这中间演奏者的演奏加强它的动态表达是要靠肢体语言的引导。演奏者表现力的丰富程度、使观众为之动情、与音乐产生共鸣是离不开演奏者的肢体语言表达。手臂起伏开合多大适配接下来的乐句音乐表达处理，配合音乐呼吸时头部、颈部需要做多大幅度的起伏更适合音乐情感的抒发。这些演奏不是孤立表达，是站在理解作品背景、理解曲作者，站在听众观赏角度形成的隐性沟通。因此，演奏前查阅作曲家生平、创作时代背景，将历史语境融入演奏，让音符有“故事感”是重要的学前预习。演奏不是纯粹落实音符到乐器上，到演奏者的操作上，而是附着在演奏者身上，从内心深处来升华音符，使其有了灵魂、有了生命。不仅演奏出作曲者的心愿，也激发出听众共情的一面，产生共鸣。有的学生总是战胜不了自己上台紧张的问题，其部分原因在于除了在演奏技巧熟练掌握之外，没有把更多关注点放在音乐要表达的内在情感上。例如作品结构的布局过程中，慢板专注于每一个落音后的余音意境，就如一部美术作品要有空间上的留白，才会更有韵味。乐段过渡句的情绪是做渐强还是做渐弱的处理，它想表达音乐主题思想怎样的一个过渡。把自己看作这部作品中的主角，此时应该是什么样的情绪变化，俗称入戏深，你就会忘记紧张。
当学习协奏曲或带伴奏的乐曲后，独自练习时要想象“与乐队合奏”，关注乐句的起承转合、关注独奏与乐队的衔接配合。避免自我声部沉浸式练习。深入体会与伴奏乐器之间的配合以及承接过渡。伴奏声部的音响在内心要有空间想象力，在主奏乐器等待间奏时，伴奏旋律也要体现在主奏的内心律动上而不是真正地停止等待。音乐不结束，乐思不能断。
二、时间分配能力：用“劳逸结合”替代“无效堆砌”
有些学生练琴效果不佳，还体现在缺乏持续性上。比如今天在琴房苦练一两个小时，第二天中断，第三天再练时又更换内容……长此以往，琴技很难有明显进步。还有部分学生天资较好，却习惯突击式训练，结果一旦面对考试或舞台演出，内心便容易发虚，演奏状态远不如在琴房独自练习时稳定。以此来看，说明演奏训练是要靠踏实的肌肉记忆以及内心对作品音乐逻辑的深刻记忆的，临时抱佛脚式训练是极不可取的。因此，以“避免无效消耗，精准分配精力”为核心的高效时间管理与练习方法，旨在通过科学的时间拆分，提升演奏训练的专注度与效果。耐力不是锻炼谁更能“熬训练时长”，而是“精准分配精力”。练习方法决定进步速度，实现持续有效、目标明确式的练琴也是提高演奏水平的重要捷径。
（一）针对性耐力训练
1.零碎时间的利用：在完成其他课程之余，有很多细碎时间，那就采取累计零碎时间训练方法。制作零碎时间练琴计划表，明确具体时间段所要练的内容，并在下一时间段根据自己练琴效果进行重复巩固记忆训练。随时对自己练琴情况做自我评价记录，以此设定下次练琴的具体目标。
2.长时间段练琴方法：设定时间单元划分，因人而异，例如设定30分钟左右练琴，休息5分钟，以闹钟定时，起身做些放松调整，或看一些优秀演奏视频，但绝不刷手机娱乐，到时间继续下一组训练。这样反复执行训练计划，做到劳逸结合。其中很重要的手段是每天练琴结束进行自我练琴效果评判记录。清晰记录自己的进步以及不足，对第二天的重点训练、集中攻克做到思路清晰，对比反复弹奏整首曲子的训练方式更具针对性，才是更科学有效的。
（二）乐谱标注
大量反复练习具有必要性，但需关注练习过程中的注意力聚焦点。如果刚开始还准备好了正确训练要领，可一旦开始内心聚焦在了无限反复上，可能这连续的过程中肌肉群发力点，动作的连贯通透性、肌肉都进入了僵持阶段那这耐力的训练岂不是走向了岔路，离正确方向越走越偏？一本干干净净的谱子是没有任何意义和保留价值的。将适合自己的演奏指法进行标记，常出错的乐句圈画、强弱变化、情绪变化位置、调性变化位置等等进行标记，甚至老师提示过你哪个乐句的处理要求都清清楚楚记在谱子相应位置，不仅有利于学生日后再接触此作品有准确的提示，同时也对将来自己做教学时留有一手资料储备。这在时间利用上也大大显示了效率和铺垫捷径。
三、理解、沟通及纠错能力：建立“批评与自我批评”
理解与沟通能力的培养，在于课上准确领会教师的指导意图、清晰表达自身演奏感悟，而非盲目听从。定期向专业老师、同学之间互相请教，探讨自己的演奏传递了什么情绪，而非仅关注是否弹对音符。往往某个乐句总是出错原因不在手跟不上、技巧不到位而是忽略了内心情绪起伏是否到位，呼吸换气是否准确，是否音符的流动之间忘记给换气留有有效的空间。这些问题也许从第三者角度听到的答案要更准确、更多元、更有细节。
纠错的关键是精准定位问题，而非盲目训练导致无效重复错误。利用录像、录音复盘是很好的办法。勤于录制自己的演奏，站在第三者角度回看过程中，总能找到令自己都不满意的音乐处理（如节奏把控、音色变化、强弱对比等）。在自我纠错之余寻求同学、朋友，尤其老师的肯定与评判，会更能够抓住细节地完成一部作品的演绎。节拍器降速、提速验证在演奏作品区域成熟阶段是很好的纠错训练方式。在熟练度逐渐上升，能够达到较熟练连贯演奏时，要学会降速训练。速度越快往往气息会不够下沉，整体会越练力度越飘，音乐张力随之缺乏厚度和沉稳扎实。因此刻意放慢演奏熟练段落，以慢验证和巩固动作的沉稳落地、精准到位，强化正确肌肉记忆。进而再借助节拍器逐渐提速，强化加速情况下技术动作始终保持精准到位。与此同时，多录制自己演奏，也在一定程度上锻炼自己的现场演奏心态，从拘谨、心态不稳到逐渐习惯淡定、静心投入音乐情感面对镜头。观看优秀演奏视频，对比寻找自己的不足之处，逐渐建立自我表演风格。
结语
扬琴演奏技术的提升虽无投机取巧的捷径，却有科学高效的路径。从动作协调的拆解训练到时间分配的精准规划，再到理解沟通与纠错的良性循环，每一步都围绕“聚焦核心、规避无效”展开。艺术生需摒弃突击式、盲目化训练思维，以科学方法为指引，在扎实打磨技术的同时，深耕作品理解与情感表达，方能突破入学基础薄弱的瓶颈，实现演奏能力的稳步提升，让技术真正服务于艺术，推动技术与艺术感悟双向进阶。
文章来源：乐器,2026,(6):102-105.