11月1日至2日，第五届“华乐杯”中国民族器乐作品评论征文活动终评会议在山东大学举行。本次活动由中国民族管弦乐学会、山东大学艺术学院共同主办，中国民族管弦乐学会理论评论委员会、山东大学艺术学院承办。

中国民族管弦乐学会会长、著名琵琶演奏家吴玉霞，中央音乐学院教授、中国民族管弦乐学会理论评论委员会主任蒲方，上海音乐学院教授、中国民族管弦乐学会理论评论委员会副主任郭树荟，山东艺术学院副院长、中国民族管弦乐学会理论评论委员会副主任彭丽，中央音乐学院教授、中国民族管弦乐学会理论评论委员会副主任吴晓萍，中国艺术研究院音乐研究所所长李宏峰，山东艺术学院研究生处处长孙志鸿，北京科技职业大学副教授、中国民族管弦乐学会理论评论委员会秘书长白晓炜，沈阳音乐学院教授、音乐学系主任董蓉，中国民族管弦乐学会副秘书长宋阳等专家及青年学者代表出席活动。会议由中央音乐学院教授、中国民族管弦乐学会理论评论委员会主任蒲方主持，山东大学艺术学院、艺术学院（威海）院长安宁出席会议并致辞。

安宁在致辞中代表山东大学，对研讨会的召开表示热烈祝贺，对专家学者的参与，表示热烈的欢迎和诚挚的感谢。安宁简要介绍了山东大学以及艺术学院的概况。他表示，“华乐杯”是中国民族器乐作品评论的重要平台，其意义不仅在于评选与竞技，更在于通过对作品的深度解读与理论辨析，引导创作、提升审美、繁荣理论，为民族音乐的当代传承与创新发展注入思想的活力。这既是对传统的回望与坚守，也是对未来的开拓与引领。此次“华乐杯”终评活动选择在山东大学举办，为山东大学艺术学院与各界同仁交流合作搭建了宝贵平台，更为广大青年学者提供了一次极为宝贵的学习机遇。

吴玉霞代表中国民族管弦乐学会对各位专家、选手表示欢迎，对主办单位山东大学艺术学院表示感谢。她指出，第五届“华乐杯”中国民族器乐作品评论征文活动终评会议落地山大，正是要依托这片学术沃土，以浩然之气涵养艺术学子的评论风骨；以学无止境、艺无止境的攀岩精神，探索民乐艺术的未来之路。“华乐杯”是民族音乐界的一项重要学术活动，本次活动旨在通过专业深度提升学养厚度，探讨民乐理论与评论，激发思想火花，包括演绎风格的剖析、原创新作的建议、民乐教育的反思及数字时代传播路径的构想，以期推动民乐艺术的发展。

“华乐杯”终评活动秉承严谨求实的学术精神与开放多元的研究视野，鼓励青年学者立足民族音乐评论实践，深入探讨中国民族器乐作品在创作理念、文化传承与当代表达中的多重价值，既是学术成果的集中展示，也是推动民族音乐评论事业高质量发展的重要契机。活动为期两天，来自各地的16位青年学者依次进行了论文宣讲，内容涵盖“非遗音乐的当代表达”“民族管弦乐的艺术创新”“传统乐曲的现代转译”等多个主题，展现了当代青年评论者对民族音乐审美、文化意象及评论话语的深入思考，第五届“华乐杯”专设了“齐鲁风格”民乐作品组，针对利用山东传统音乐因素的当代音乐创作进行评论。与会专家在聆听论文汇报后，对作品的评论视角及理论深度进行了细致点评，并就民族音乐评论的学科建设、方法创新与理论体系拓展等问题展开深入交流与探讨。本次会议为青年学者提供了高水平的学术交流平台，为进一步推动新时代民族音乐理论评论研究事业的发展与人才培养发挥了积极作用。

终评活动现场综述

11月1日上午一共进行了六篇论文宣讲，由中央音乐学院教授、中国民族管弦乐学会理论评论委员会主任蒲方主持。第一位宣讲人是西安音乐学院的陈思然，论文题目为《改编曲中的“沂蒙山”情节探析——以二胡协奏‘蒙山沂水情’为例》。文章对《蒙山沂水情》及其核心旋律原型《沂蒙山小调》进行了简要的创作分析与评论，并将其作为典型案例，探讨了改编作品与地域音乐文化环境的关系，分析其中所蕴含的中国传统音乐文化传承的新路径与民间音乐改编的创作思路。文章分为四部分内容，第一部分探析了《蒙山沂水情》的编创手法，指出其中西结合的特性。第二部分比较了该作品的旋律原型，认为《沂蒙颂》占比较小，起到传统器乐变奏中“引子”的作用，《沂蒙山小调》是全曲的核心旋律。第三部分探讨了该作品的编创美学内涵，除采用歌曲代替曲牌这一创新性的创作思路外，基本遵循传统器乐变奏曲的创作思路和规则。第四部分讨论从《蒙山沂水情》看创作性民歌改编作品的传播，具体分析了《沂蒙山小调》的社会基础，对传统民歌、“新民歌”以及创作性民歌进行了界定，并分析了创作性民歌改编作品与地域音乐文化的共生。在专家评议环节，孙志鸿教授肯定了这篇文章的原创性，指出了音乐本体分析中的一些矛盾之处，并认为文章对于民歌原素材的分析过多，对于传统民歌、“新民歌”以及创作性民歌的界定较为多余。白晓炜教授认为文章的写作焦点不够集中，对于作品的本体、意义或美学内涵分析不足，文章结构也需要调整。李宏锋教授提示了《沂蒙山小调》原型与河北《小白菜》的相似关系。

评议人：孙志鸿教授

宣讲人：陈思然

第二位宣讲人是武汉音乐学院的温天慧，论文题目为《“万年”之韵与“欢”之传承的吹打诠释——评文子洋作品〈万年欢〉》。作者探寻作曲家如何以民族吹打的特殊语汇，诠释“万年”所蕴含的历史纵深与“欢”所代表的情感传承。文章分为三部分内容，第一部分从乐器集群的音色回响分析了《万年欢》的历史纵深；第二部分聚焦结构叙事的时空折叠，分析音乐材料如何以“历史原型—当代变奏—全民共鸣”三个部分，展现出递进关系的叙事逻辑。第三部分探讨了仪式互动的情感共振，揭示了文子洋对《万年欢》的创作始终以“欢”为情感内核。作者指出，让这份情感从传统民俗的具体场景中生长出来，升华为人性共通的共鸣，恰是“万年”二字所承载的传承深意。在专家评议环节，李宏锋教授认为文章的结构较为完整、具有一定深度和高度，指出《万年欢》中的“欢”具有多种情绪表达，并建议对中国传统曲牌的美学意象进行拓展。彭丽教授肯定了作者的文字语言表述能力和对学术亮点的精准把握，指出民间元素与民间曲牌需要更深层次的解读，并建议对配器进行进一步分析。郭树荟教授指出文章需要加入乐队编制，尤其是对支声复调的分析。此外，对于曲牌的意象性和价值判断需要更具个性。蒲方教授认为标题中的逻辑性还需要斟酌。

评议人：李宏锋教授

宣讲人：温天慧

第三位宣讲人是上海音乐学院的岳美辰，论文题目为《民间歌谣地域性符号的再生力——〈沂蒙山小调〉的形态演进与当代转化》。文章研究了一首诞生于抗战烽火、传唱于齐鲁大地的《沂蒙山小调》，如何凭借其深厚的情感底蕴和鲜明的时代印记，逐步升华为代表沂蒙山精神乃至更广阔民族情怀的核心文化符号。全文分为三个部分，第一部分探究了《沂蒙山小调》的形态基因是四度音程框架与方言驱动的下行旋律，同时指出民歌中小韵、衬词的使用具有地方特色。第二部分研究了民歌的专业化进程，包括专业作曲家的民歌创编和将民歌抽象提纯的器乐移植。第三部分探讨了民歌中传统基因的当代转化，突出了线性思维在音乐结构、发展和表现力塑造中的核心地位，以及打击乐对齐鲁文化传统中的礼乐意象的升华表现。在专家评议环节，孙志鸿教授认可了文章的学术高度，指出其对“四度音程”与方言之间的关系分析较为新颖，建议作者注意民间音乐改编的时代性以及对“五声泛调式”进行更深入的解读。蒲方教授指出文章结构较好，但需要注意一些用词问题，还补充了另一部改编曲，即刘庄创作的《钢琴变奏曲》。此外，还提醒作者注意区分民歌属性和创作歌曲的属性，并认为结语需要更高维度的反思。李宏锋教授认为作者的文字表述需要更加严谨。

评议人：彭丽教授

宣讲人：岳美辰

第四位宣讲人是中央音乐学院的李欣阳，文章题目为《符号学视角下民族器乐作品〈蒙山沂水情〉的审美意义与社会价值》。文章指出，民族器乐作品《蒙山沂水情》是挖掘与利用红色音乐资源并在新时代语境中进行创新性表达的典范案例，其在艺术性提升、审美意义传达和社会文化价值实现等方面所取得的成就具有符号学理论依据。作者从从符形、符义和符用三个层面出发，对其音乐符号文本之审美意义的生成逻辑、传达机制和社会价值的实现方式展开了分析与讨论。具体而言，文章第一部分探析了《蒙山沂水情》的再符号化路径是以两个极具标志性的经典音乐符号文本为基础，通过创新发展符号结构形式、突破能指与所指之间既有的连接框架，完成对原始符号文本的解构与重构。第二部分探究了该作品符号文本意义的传达机制，指出该作品含有明显的指示符，并与像似符和规约符相融合和配合，影响了其符号文本的审美方式。第三部分研究了该作品符号文本的社会价值实现，指出在艺术性与社会价值实现之间达到平衡的重要性。在专家评议环节，孙志鸿教授认为文章的研究角度具有挑战性，对于符号学理论与具体作品的对应关系不够清晰。白晓炜教授指出了一些用词问题，如将这部新作品作为“典范案例”过于夸大其词；对《沂蒙山小调》的“起承转合”也需要进一步解释，还需要注意理论文章和评论文章的界限。郭树荟教授指出文章运用“符号学”的视角很新颖，但是作为评论文章，需要侧重于符号学的视角而非理论概念。彭丽教授指出学术理论概念和具体编创作品之间需要更深层次的探讨和对应，认为这篇文章更偏向一篇理论文章而非评论文章。李宏锋教授指出需要在文本表达和用词方面更加平实、朴素，同时缺少对符号学理论原文的引用。

评议人：郭树荟教授

宣讲人：李欣阳

第五位宣讲人来自山东大学艺术学院的于凯文，论文题目是《九曲承韵，新潮致远——评〈长河入海〉中的传统持守与当代转译》。文章通过分析《长河入海》如何以黄河奔腾入海为意象，巧妙地运用齐鲁音乐元素，在速度布局、配器手法等方面具有独特的构思，实现了将传统民乐与创新元素融合，体现了作曲家在传统持守与当代转译中的创作理念。文章包括四个部分，第一部分探讨了民间音乐的地域特色与普适性问题，指出作曲家在齐鲁元素的植入上运用了山东民歌《沂蒙山小调》和鲁西南鼓吹乐的素材，既体现了齐鲁风情，又把握了《写意齐鲁》的整体风格。第二部分探讨了音乐平衡的精妙构建，分析了作曲家在这部作品中所构建的多维度音乐张力，及其对听众的情感冲击。第三部分探究了当代民歌创作中“守”与“变”的辩证关系，强调了当代民乐创作需扎根中华文化的土壤，以开放的姿态融合民族精神、地域特质与时代语汇，最终达成深层的情感共振。在专家评议环节，吴晓萍教授指出文章的主题明确、逻辑线条清楚。文章的不足在于：第一部分“地域特色与普适性”中的“普适性”指向不够清晰；文章对“8个音”的分析较为空泛；标题中的“守”、“变”在第三部分略显失衡；还有一些用词问题。白晓炜教授指出需要对《写意齐鲁》进行整体介绍，还需要加入对乐队结构与鲁西南鼓吹乐的比较分析。此外，文章中出现了一些对听众的主观推测，对于创新的价值认定也较为主观，用词需要更加严谨、平实。孙志鸿教授指出文章缺少对曲式结构的分析。蒲方教授指出一些用词问题，如“大过程”，“音乐能量平衡”等，价值判定也不够朴实。

评议人：吴晓萍教授

宣讲人：于凯文

第六位宣讲人是来自山东艺术学院的孙贤朴，论文题目为《叠在醉风里的“剑影”与“风痕”——析〈醉风叠〉中的齐鲁韵》。文章通过对《醉风叠》的深入分析，指出其独特的音乐风格既延续了齐鲁文人“文以载道”的精神传统，又体现出用音乐传达历史信息的创作理念，实现了对齐鲁文化的当代诠释与理解。文章主要分为三个部分，第一部分介绍了作曲家的创作图景与灵感来源。第二部分探讨了音乐本体中的和声、曲式与音乐特点，探究其如何以音乐本体为桥梁，实现文学意象向听觉艺术的转化。第三部分研究了作品的创新传播与齐鲁文化的传承，指出这部作品既在调性融合与创作理念中注入文化象征的深意，又以新的传播路径，让齐鲁文脉在不同的领域焕发新声。作曲家并非简单复刻辛李诗词的文字符号，而是以音乐传达历史的创作理念，将齐鲁文化“刚健有为”“兼容并蓄”的精神内核，转化为可听、可感、可传的音乐叙事。在专家点评环节，吴晓萍教授指出文章音乐分析非常细致，文风具有文学色彩。对文章的建议是：将技术分析和文化阐释相结合；在技术分析中需要加入个人感受和意象解读；曲式分析中的“回旋性”定义需要更加精确；文章结构需要进行调整，避免过于分散；避免乐器与风格的对应过于标签化；文字表达需要更加精准。蒲方教授指出文章对于“叠”的反思很好，体现了批判性。文章的不足在于：题目中的主副标题缺少逻辑性；副标题的“齐鲁韵”在文章中缺乏相对应的音乐分析；对于该作品的定位需要斟酌，建议强调一种新的“齐鲁韵”；还有一些用词和历史考证问题。

评议人：白晓炜教授

宣讲人：孙贤朴

11月1日下午一共进行了六篇论文宣讲。

第一位宣讲人是山东艺术学院的教师夏智宁，论文题目是《纯音乐创作中的戏韵延伸与展衍——民族管弦乐〈鲁韵〉的创作评析》。文章主要包括四个部分，第一部分指明《鲁韵》源自齐鲁地区的声腔艺术——柳子戏，并认为这部作品坚持以人民为中心的创作导向，将戏曲元素与当代艺术进行了创新融合。第二部分剖析了《鲁韵》的音乐素材与作品结构，指出“戏曲”这一艺术概念，在《鲁韵》中表现为外延形式上的模糊与退化，和内涵意义上的纵深与拓展。第三部分探究了《鲁韵》对柳子戏中戏曲形象的“跨形式表达”，指出作曲家主要遵循“取其神移其形”的原则，精准提炼了柳子戏中四种行当的程式化形象，并以主奏乐器音色和特征化的音乐素材对其进行意象性的音乐表达。第四部分是对“展衍”一词的释义，并对展衍思维在《鲁韵》中的应用进行了说明。最后作者认为，《鲁韵》是中西融合的创作实践，有力地印证了中国作曲家独特的“文化身份”与艺术品格。在专家评议环节，郭树荟教授肯定了作品的技术分析与实践，指出引用蒋菁老师对于纯音乐的提法还有待商榷，并认为用勋伯格的“展衍”不是很切合，转译的词语需要谨慎使用，还需要对作曲家朱长磊添加注释。李宏锋教授认为文章完整、具有深度，建议文章可尝试将素材原型、语法原型与作品的发展相连接，还可加强对柳子戏更深入的解读。彭丽教授认为文章可从民族管弦乐的角度去提炼升华艺术化的表达程度。

宣讲人：夏智宁

第二位宣讲人是山东师范大学的张子佳，论文题目为《写意山水，续脉乡音——民族管弦乐〈写意齐鲁〉的基因传承与时代转生》。文章共分为四个部分，第一部分以“齐风鲁韵”的文化分野与共生为核心，探讨了古代齐鲁两国音乐传统的差异与融合，并阐述了当代管弦乐作品《写意齐鲁》如何以“写意”美学创造性诠释这一双生文化基因。第二部分基于《秦山颂》和《明湖春景》两个乐章“雄”与“灵”的音响笔法，将泰山、明湖从地理形胜转译为可聆听的文化符号，在管弦织体中完成了齐鲁山水向文明基因的声学升华。第三部分指出《鲁韵》《万年欢》《沂蒙深情》三个乐章所表现的“母曲为体、创新为用”的方式，在保留齐鲁曲艺核心基因（“源”）的同时，通过交响化、剧场化等现代手法（“流”），对其进行创造性转化，实现了传统声腔“形神兼备”的当代激活。第四部分通过分析《天下大同》与《长河入海》两个乐章，以现代管弦乐诠释齐鲁文化，最终完成了从地域文化到中华民族精神，再到人类文明的价值升华。最后，作者提出期望未来的创作既能映照传统的深厚底色，更能闪耀创新的时代光芒。在专家评议环节，吴晓萍教授肯定了作品语言脉络清晰，用地图展示十分有新意，指出文章缺少本体分析，建议结合技术分析探究音乐形态与意象表达的关系。郭树荟教授认为文章有问题意识、批评意识，文笔流畅，指出需要谨慎定义新传统与老传统。彭丽教授认为文章题目新颖、视野宽阔，从历史地理角度串联值得肯定，但作品是组曲形式，由七位不同的作曲家创作，其“统一性”需待考证。蒲方教授认为作品整体构思需要合理化。李宏锋教授提出需要注意引文的学术性与严谨性。

宣讲人：张子佳

第三位宣讲人是四川音乐学院的教师周姝，论文题目为《刚柔并济 音画相融——评徐昌俊新作〈江南〉的艺术特色》。作者分别从变奏手法的多维显现、刚柔并济的音乐语汇、戏剧张力的多元表达三个方面探讨交响组曲《江南》的创作语汇与音乐特色，由此审视作曲家对江南文化的独特见解与多元转化。作品以贯穿始终的“江南”主题为核心音乐素材，通过秀逸、柔婉又暗含刚劲的音乐语言，生动描绘了江南的钟灵毓秀。文章指出作曲家巧妙化用昆曲、评弹等传统元素，与当代创作语汇有机融合，在民族管弦乐的丰富音色中构建出多元统一的音响画面。作品在叙事上穿梭于古今之间，在音色上注重个性与变奏，在戏剧性上通过二元对立塑造张力，最终成功实现了对江南自然与人文景观的音画描绘，展现了传统音乐在当代语境下的创造性转化与生生不息的发展图景。在专家评议环节，孙志鸿教授指出文章应使用通用的、精准的学术语言，“刚性”、“柔性”等二元对立的词语过于绝对，标题层级划分也需要重新思考。吴晓萍教授肯定文章角度清晰，指出“刚柔并济”过于表面化，需注意参考文献的学术水准，建议从音乐学论文角度进行拓展。白晓炜教授认为文章需明确作品结构与速度，缺乏对作品的整体把握。蒲方教授认为可适当加入背景资料。

宣讲人：周姝

第四位宣讲人是绍兴文理学院的讲师杨婷婷，论文题目为《看见南音——从〈南音·祈颂〉谈非遗音乐的当代表达路径》。文章一共包含以下三个部分，第一部分阐述了《南音·祈颂》结构逻辑源于闽南地区的传统祭礼，通过音乐再现祭祀的程序与氛围，实现了对南音母体内在仪式性逻辑的活化传承。第二部分从节奏语法、旋法组织、音色组织三个层面，深入分析了《南音·祈颂》如何拓展南音的音乐话语体系。第三部分阐述了《南音·祈颂》将听觉艺术转化为沉浸式剧场，构建了国乐与国色相结合的诗性意象；最终通过“阮”（我们）的双关意象，在观众、作品与传统文化之间建立起深刻的情感共鸣与文化认同。文章最后总结了《南音·祈颂》以“听觉+剧场”的综合路径，指出其为非遗音乐在当代的活化、传承与传播提供了一个富有启发性的成功范例。在专家评议环节，彭丽教授肯定文字标题和段落标题具有新意，建议将这一类作品着眼于民族管弦乐或民族器乐未来十年的发展趋势上，以及观众接受度上分析其特点与发展。白晓炜教授指出场域的描述可单独划分，可采用结构描述的方式，而非乐队总谱的排列号，“国乐”、“国色”的概念需要界定清楚，阮作为代表性乐器不够准确。蒲方教授认为“阮”指示“我们”时需要加引号，非遗南音与当代创作的关联应更深刻，提出需思考从非遗角度出发是否是绝对的好，内涵如何在音乐中体现。李宏锋教授认为“非遗音乐”一词需谨慎使用。

宣讲人：杨婷婷

第五位宣讲人是中央音乐学院的李清心，论文题目为《川味中的雅俗之声——评吴健古筝四重奏〈锦官城锣鼓〉网络版》。文章主要分为四部分，第一部分作者讲述了古筝重奏曲《锦官城锣鼓》如何通过融合四川民歌《摘葡萄》与现代民谣《成都》的旋律，并运用古筝模仿川剧锣鼓等手法，展现成都古今交融的地域文化特色。第二部分指出吴健在《锦官城锣鼓》中，以古筝技法的大量“打击化”探索为核心，成功拓展了其音色表现力与节奏建构功能。第三部分作者通过分析该作品如何将视觉表演与听觉艺术深度融合，构建“可听可看”的传播闭环，论证了其从创作源头进行的跨界实践是成功打破专业音乐圈层壁垒的关键。第四部分作者提出了“雅俗共赏”是创作理想还是社会性妥协的命题，并肯定在创作者于艺术理想与市场接受之间的辩证平衡中，其核心是一种在保有审美深度的前提下，拓展传播广度的有限而必要的策略。在专家评议环节，蒲方教授认为二度创作与一度创作的关系值得深入探讨，不能忽视古筝传统特征中的韵味，强调艺术创作如果以“雅俗平衡”为衡量，容易缺失艺术的独特性，并建议加入网络文化的背景。白晓炜教授认为“四人围坐”与四川文化的关系不够直接，文章还需要适当加入谱例，对于大众化雅俗接受度的论据也需要再进行补充。

宣讲人：李清心

第六位宣讲人是华南理工大学的叶瑜嘉，论文题目为《“盛唐遗韵”的回响与新述——析刘青民族室内乐〈惜惜盐〉》。文章主要围绕三部分展开，第一部分解码了乐曲《惜惜盐》中独特的琵琶族群组合，阐释了作曲家利用这种古今音色创建出作品独特的音响图景。第二部分阐述了乐曲“变奏”与“循环”并行的双重结构布局，营造出一种亦古亦今的独特听觉感受。第三部分探析了乐曲对龟兹古乐素材“回响”与“新述”的运用，指出这种处理既保留了主题的舞蹈性基因，又在当代语境下展现了古乐素材的多样面貌。文章最后总结指出，《惜惜盐》的创作实践体现了“形简意丰”的中国传统美学，作品成功诠释了“古韵新声”的意蕴，实现了对“盛唐遗韵”的当代回响与创新叙述。在专家评议环节，蒲方教授认为选题很好，但在古今音色对比中，仅强调了定弦，没有挖掘出五弦琵琶的真实音色；第一部分的“‘古’‘今’相峙”没有涉及二者的对峙问题；结语部分将“形简意丰”视为“高境”值得商榷；“形简意丰”与“盛唐图景”的关系也缺乏逻辑。孙志鸿教授肯定了论文题目及文章架构，指出“音效”用词不够准确，13次提到的“现代音乐”、“现代技法”等含义也不明确。李宏锋教授认为文章的文笔流畅，但是由于古谱翻译中的节奏等元素无法精准复现，文章应对所选译本加以界定，另外需加强对专业术语的了解，对“惜惜盐”的考证需要更加学术，还要注意参考文献的学术质量。

宣讲人：叶瑜嘉

2025年11月2日上午8：30，第五届“华乐杯”民族器乐作品评论终评活动第二天的日程正式拉开帷幕。上午的内容由四位青年学者的论文宣讲与一场精彩的学术对谈共同组成。

第一位宣讲人是来自华南理工大学艺术学院的郭婧怿，论文题目为《弦音化鼓韵，琵琶奏新声——析朱琳琵琶四重奏〈仓才〉》。文章以《苍才》为典型案例，对作品及其核心素材原型——京剧锣鼓经与安徽花鼓灯锣鼓点进行创作分析与评论，探讨改编作品与传统戏曲音乐文化的关系，揭示中国传统音乐文化传承的新路径与民间音乐素材改编的创作思路。首先，作者探析了《苍才》的编创手法，指出作品突破旋律主导地位、以非乐音为核心，通过多种手法形成中西结合的音响语言。其次，作者通过比较素材原型探讨了编创美学内涵，指出该作品以戏曲锣鼓经节奏型代替传统器乐曲牌、采用多段并列形式结构、遵循传统理念、依托节奏与音色交织构建音乐形态等特色。最后，作者从《苍才》探究民间音乐素材改编作品的传播，分析了京剧锣鼓经的社会基础与戏曲文化认同，探讨了改编性民间音乐作品戏剧化声响空间。在专家评议环节，李宏锋教授肯定了文章内容有板有眼，具有很好的结构和评论深度，同时提出了几点建议：需要加强对传统戏曲打击乐更加深入的学习；建议作者了解作曲家如何应对中西方不同节奏、节拍体系与记谱法；建议深入阐释作曲家选择花鼓戏和京剧的原因；提高文字表述的准确性。彭丽教授认为这篇论文写作完整，体现出了宏观和微观认识，建议作者在评论作品时抓住作品的艺术特征，深入思考作者的创作意图。

宣讲人：郭婧怿

第二位宣讲人是来自广西艺术学院的赵琳，论文题目为《非遗活化，芦笙新语——评室内乐<龢歌>的创作实践》。文章所研究的作品源于2021年作曲家在广西的采风经历，他以侗族芦笙、侗族大歌、壮族嘹歌三种非物质文化遗产为素材，结合了新人祝福的主题进行创作。全文共分三部分，第一部分探究非遗元素的活态传承表现。第二部分研究了创作技法：通过增厚和声密度模拟千人芦笙音响，运用复合音色法重现山谷共鸣；契合侗族大歌的频繁节拍变化特点，运用倚音、滑音等装饰性手法模拟颤音与滑音唱法；以时间记谱法实现民族音乐元素的当代活化；提炼倚音动机、滑音动机、柱式和弦动机、单音动机四种核心动机进行变体发展；结构呈现三部性框架与回旋性元素的复合特征。第三部分探讨了作品尾声对跨文化剧场美学的实现：演奏者头戴传统帽饰边吹奏边舞动、绕场即兴演奏，复现了民间婚礼仪式感。最后作者指出该作品强调情感真实性，音乐语言革新服务于真情表达，为非遗在当代语境中的创造性运用提供了路径。在专家评议环节，李宏锋教授指出评论文章要避免写成一封“表扬信”，音乐评论应该关照作曲家对传统音乐的了解深度，还应对作曲家有所期待，由此发挥音乐评论的启示、引领作用。此外，文章也缺少对音律特点的关注。彭丽教授认为对于理论研究和评论需要进行深入思考，评论者需要有批判的眼光，也需要更高的学术修养。

宣讲人：赵琳

第三位宣讲人是来自东南大学艺术学院的庄云潇，论文题目是《又见江南——苏潇丝弦五重奏<锦绣>中的江南意象》。文章分析了苏潇创作的丝弦五重奏《锦绣》，指出该作品以江南民歌《绣荷包》为创作素材，提取其中核心音调作为主题材料，并运用现代作曲技法将其发展为复杂的器乐结构。作品在配器上采用了胡登跳1964年开创的“丝弦五重奏”民族器乐重奏形式，通过音色配合与乐器特殊演奏技巧的运用，将江南地域文化中幽婉清丽的意象特质转化为具象化的印象表达，呈现出层次丰富的音乐织体与鲜明的江南意象。作者最后指出，《锦绣》在配器、审美与意象建构等方面的探索，为中国当代民乐创作提供了可供参考的新思维和新方法，同时引发了回归创作本源的深层思考。在专家评议环节，郭树荟教授认可了文章的选题与引用，指出其不足在于：对他人的借鉴与作者的想法有些跳跃；需要借助具体分析来探讨丝弦五重奏的历史渊源、基础与当代作品的历史连接；评论中要避免意象与乐器的生硬对应，注意“写意”与“写实”之间的考量。蒲方教授点评道：选题较有特色，但文章的核心问题在于对“江南”意象的阐释，同时忽视了江南的“真实性”。此外，还应考虑如何实现“分析”与“解读”这种“实”与“虚”的融合，以及歌词的美学意义和曲调的美学意义之间的调和。

宣讲人：庄云潇

第四位宣讲人是来自上海音乐学院的杨珺涵，论文题目是《天光破碎浑然尽，启真方见自在心——苏笙协奏曲<天启>创作分析与理念剖析》。文章指出《天启》以藏族文化为底色，通过“天启”意象构建了当代民族音乐的哲学表达。第一部分探析了结构与调式逻辑：作品以两次“天启”事件为核心，构建了“起承转合”式结构，调式组织呈现由模糊到清晰的民族色彩递进——从无明显音高序列、全音阶逐步向中国民族调式回归，形成了一种向心性分布，体现了传统音乐思维的当代重构。第二部分探究了音响建构：作品融合笙的传统技法与技法移植，结合打击乐组与其他乐器组，形成三元并置形式的配器。其中，打击乐象征“天”之肃穆，拉弦、弹拨、吹管乐器以音色变奏呈现“人”之率性，由此构建立体音响空间。第三部分阐释了文化哲思：作品的两次“天启”映射了藏族哲学中的“天人观”，实现了从外在景观向内在超越的转化。最后，作者指出该作品彰显了中国当代音乐创作在“可行性”与“必行性”之间的平衡，为少数民族音乐题材的当代表达提供了思辨范式。在专家评议环节，吴晓萍教授指出语言表述问题，认为行文风格较为抽象，引用文献需要进行解读，学术性、专业化的术语需要加以解释，还应注意行文规范。蒲方教授点评道：文章结语应该多一些价值提升与总结，作者自创的“民族调式色彩明晰度”难以实现普适性。

宣讲人：杨珺涵

在学术对谈环节，众专家就民族器乐作品评论与创作的方法论进行了深入探讨，揭示了当代地方音乐创作与评论实践的部分问题。在创作方面，专家们指出山东音乐资源丰富：鲁西南鼓吹乐、茂腔、柳子戏等传统形式具有鲜明地域特征，但当代创作面临着符号化的困境——过度依赖《沂蒙山小调》等显性符号,缺乏深层文化挖掘。对此，顾冠仁等大师的创作范式提供了启示：通过田野调查提取地域音乐核心音调，而非简单移植单一主题。与此同时，当代作曲家需突破命题作文式的创作，借鉴叶国辉、秦文琛等人的隐性表达方式，探索更广阔的音乐文化、自然模仿与传统艺术，关注乐器音响的微分音等技术拓展。此外，创作素材可从早期音程继承发展为调式、音列等多元介入方式，同时需深入地方采风来挖掘适配素材。在音乐评论方面，评论者需具备与西方“四大件”相对应的素养——民歌、器乐、曲艺、戏曲，扎根传统音乐学习。专家们指出，当前乐评存在模板化倾向，固守“旋律-结构-节奏-音色-人文情怀”套路，对本土作曲家的关注不足。建议评论应采取“先验主义”与“直观聆听”相结合的中庸路径，平衡技术分析与外部考察，保持独立的学术品格——发现作曲家自身未意识到的创作逻辑，避免音乐评论沦为说明文或宣传文。在写作语言方面，文风表达需精炼直接，规避生僻、洋化词汇与过度阐释，每个例证都要与文字配合完美、切中要害。此外，评论者还应关注二度创作，舞台呈现、指挥风格、乐团水平等表演因素对作品效果也具有关键影响。最后，专家们认为中国音乐家需承担本土文化挖掘责任，避免过度依赖外国范式。教育方面的改革也应体现这种导向：系统性开设山东传统音乐课程、鼓励当代作品研究，推动齐鲁音乐从“显性符号”向“内化风格”的深层转化，为地方音乐题材的当代表达提供了可持续路径。

11月2日下午，研讨会的第四场活动以讲座形式开展，山东艺术学院副校长彭丽教授和上海音乐学院郭树荟教授分别进行了精彩的学术讲座。   

彭丽教授的讲座题目为《民族管弦乐艺术的当代阐释》，她系统梳理了中国民族管弦乐的发展脉络与当代特色，并从历史、空间和创作三个维度进行了深入探讨。在时间轴线上，民族管弦乐的起点可以追溯至1920年“大同乐会”，随后经历了从城市业余社团到专业化乐团的演变。1950年代形成了“乐队编制—乐器改革—乐曲创作”并行发展的格局，80年代以来又受到现代作曲技法影响，进入多元化与个性化的创作阶段。从空间维度看，民族管弦乐经历了由民间到舞台、由地方到全国再到国际的转变，呈现出多元融合的特征，既承载传统文化精神，又吸纳现代艺术元素。从音乐语言层面看，民族管弦乐的艺术表达历经由民间曲调、功能性和声到现代技法的转化。彭教授指出，当代民族管弦乐在守护民族性的同时，应强化时代性与个性表达，探索原生态与现代性的融合。最后，彭丽教授总结了民族管弦乐在国内外的影响力，并展望了其未来的发展前景。

主讲专家：彭丽教授

第二场讲座是郭树荟教授带来的《聆听分析与文字叙事的多重意义——对中国民族器乐作品评论的思考》。她主要围绕中国民族器乐作品的评论与研究，提出了三方面建议。首先，在题材方面强调了民族器乐作品评论应补充对民族协奏曲、民族室内乐与独奏三种体裁的关注。其中，民族协奏曲虽源于西方，但在中国已有成熟发展，然而部分作曲家却回避这一术语；民族室内乐自20世纪40年代起步，经中西手法融合逐渐形成固定形式，比如《田头练舞》；独奏作品以二胡为代表，自刘天华起，奠定了中国二胡艺术的高峰，但相关的作品评论略显不足。其次，郭树荟教授提到当前乐评较为依赖西方分析模式，如曲式、调性等，难以体现出中国音乐的独特性。她提倡从表演者的角度去分析，通过细致聆听与舞台观察来提炼第一手资料，使评论更鲜活生动。同时，郭教授认为美学取向应是作曲家赋予作品情感的自然提炼，而非主观想象，要确保文字定义基于音乐的核心技术。最后，她呼吁大家要拓展研究视角，建议通过采访演奏家、指挥家及观众来获取多元资料。

主讲专家：郭树荟

之后的会议闭幕式上，多位专家对本次活动给予了高度评价。中国民族管弦乐学会会长吴玉霞指出中国民族管弦乐学会是文旅部旗下具有影响力的优秀社会组织，成立近40年来始终致力于推动民族管弦乐的艺术发展。她强调，学会通过“华乐论坛”、“华乐讲坛”等品牌活动及21个专业委员会，在演奏、创作、研究等领域发挥了引领作用。她还以演奏家的身份就民族音乐理论与评论的发展提出了重要见解，指出艺术表演不仅是技术呈现，更是二度创作的过程，呼吁乐评人和研究者要避免单一的数据化分析，关注表演心理、作品诠释等动态因素，注重音乐的生命力与艺术表达的准确性。

吴玉霞会长总结

山东大学艺术学院院长安宁教授作为承办方代表，感谢学会及专家对学院学科建设的支持。他表示本次活动选手层级丰富，涵盖本、硕、博及青年教师多个层次，体现出良好的学术传承，并鼓励青年学子应静心钻研、拓展视野、努力进取。评委代表吴晓萍教授感谢了主办方与承办方提供的学术交流机会，指出当前乐评文章学术化倾向明显，体现了专业性，但不应忽略乐评文章自身的特点，即“评”，要有优有劣。同时还要注重文章的可读性与学术规范，提高批判性思维，并鼓励青年学者要提升自身素养，共同推动民族音乐理论与评论事业的发展。理论评论委员会主任蒲方教授向参赛选手、评委及承办单位表达诚挚的感谢，期待广大学者持续关注“华乐杯”系列活动、民乐创作以及传统音乐的学习，共同探寻中国音乐未来发展的新路径。她还强调，未来将是民乐的时代，民乐将会拥有广阔的舞台，值得我们深入挖掘和探索。同时，宣布了第六届“华乐杯”民族器乐作品评论活动将由沈阳音乐学院音乐学系承办，以及第五届“华乐杯”民族器乐作品评论征文终评结果。